Jean-Pierre Sergent


Presse 2018-present

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Entretiens filmés au Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie de Besançon le 2 juillet 2021. Article édité par Agnieszka Kowalczewska et Kamila Krzyzaniak.

Jean-Pierre Sergent & Thierry Savatier AT THE BESANÇON FINE ART & ARCHAEOLOGY MUSEUM – Interview


Transcription of the filmed Interview between Jean-Pierre Sergent and Thierry Savatier (Art Historian and world specialist of Pablo Picasso’s and Gustave Courbet’s works)


Jean-Pierre Sergent: Hello everybody. It is July 2nd 2021 at the Museum of Fine Arts and Archaeology of Besançon, which is one of the oldest museums in France, and I have the great pleasure welcoming my very close friend Thierry Savatier, We have already done several interviews; this will be the fifth one today.

Thierry Savatier: Yes!

JPS: So, it’s really a great honor to welcome you in this museum and in front of my installations that have been exhibited for almost two years now and this interview will be in collaboration with international art magazine ‘Luxury Splash of Art‘ and we will have some questions from Agnieszka. So Thierry, Agnieszka asked me: “What really attracted you to my work? What really interests you about my art?”

TS: I would say that there are two aspects in this installation that are quite interesting. The first aspect is the title “The Four Pillars of Heaven“; indeed, it invites us to think about verticality, it invites us to think about spirituality which, obviously, is in no way confused with religion, but which is a relationship with what is beyond us; then, we can call it: ‘God’, ‘Great Architect’… whatever you want, it doesn’t really matter. What is important is this notion of relationship with what is beyond us. And, indeed, we have there, as you reminded us, by the staircase that we have to climb, by the look that we will carry on this installation, this invitation to spirituality. And then, there is another aspect of the installation which is interesting, it is that the works are stuck to the wall directly, without frame! The frame, finally, is something that is supposed to embellish but which often limits; whereas here the contact is directly on the wall and it reminds me of what Picasso had wanted for his exhibition at the Palais des Papes in 1971, when he saw the works hung, he had all the frames removed, he wanted the paintings to be directly hanged unframed on the stone walls of the Palais and that had given a quite astonishing effect. I think we have the same thing here. Is it, for you, a reminder of what are, for example, the cave paintings, I think of the prehistoric caves like those of Angles-sur-l’Anglin near Poitiers or Lascaux?

JPS: Yes, absolutely. It was while visiting the Pech Merle cave that I had this revelation; not only about the size of the work but also about the layering of my works… Because, as you can see here, I always work by accumulating several layers of images successively. In general, there are 3 images, but there can be 4 or 5, it is what is called ‘layering’ in English. That is to say, what is important also, is to leave the individual work, unique, made by only one artist to enter a kind of collective work, since we know that cave paintings have been reworked over successive millennia, so it was not necessarily the same individuals or several individuals at the same time, time dilates and expands a little in cave art and I hope that this is what we can also find in my works. I want to dilate time a little bit so that one can access, precisely, this verticality and this “pre-eternity”… it looks pretentious… But yes, I want to make a work that is part of the history of humanity, of course.


TS: This dilation of time, we see it when we observe the works, notably by the superimposition of the layers of different graphics that often belong to different eras, to different cultures, that corresponds completely to the dilation of time. And what struck me, the first time I saw these works and it continues to impress me. I see your new works, I see all this evolution; in order to understand, especially your works on Plexiglas, it is absolutely necessary to forget all the preconceived ideas that we may have and which we have inherited by our education. We are marked in the West by, at the same time, the Platonic philosophy and the Judeo-Christianity with, necessarily, these binary values which forge our judgment thus, good – evil, black – white, the primitive – the civilized, etc… And in fact, one realizes that in order to understand your works, we must above all begin by forgetting all that and apprehend each work with a new look, that requires an effort but that is fascinating.


JPS: Yes, thank you, that’s exactly it, what I want to, is to get out of the norms, obviously. Afterwards, to what extent can the artist, in his personal life, be outside the norms? It does raise a question? It’s true that it’s a bit difficult. I will quote a sentence of André Malraux in The Mirror of Limbo: “The time of Art does not coincide with that of the living.” In a way, the time of the living beings does not fit with that of Art and it is true that being an artist which is trying to make a work a little creative and a little ‘out of the box’, it is a little painful, sometimes, because the public does not follow. There is always this problem of the tricky relationship with the public. Can an artist exist without an audience? Fortunately, my work is shown here, so maybe that will move the lines a bit, but it still creates to me, an uneasiness, because we, artists, are no longer integrated into the flow of our contemporaries life.

TS: Yes, the artist needs a public, it’s true, but the artist is also aware that he is sometimes ahead of his time, when, for example, Picasso painted “The Big Pisser” which is now in the Pompidou Centre in Paris and he proposes it to his gallery owner Daniel-Henry Kahnweiler, he is scared. He said no, it would be really difficult to sell, given the theme, of course, and Picasso was not at all offended and replied: “Yes, no doubt, they will understand it in 30 or 50 years…” I think that’s a bit true too, you end up understanding an art work after a certain time period.

JPS: Yes of course, but there is not only the sexual problem in my work, there is also the spiritual problem. How to apprehend a work that wants to be spiritual, that is my will, if you understand? It’s a question to ask but we don’t really have the answer!

TS: Yes, but I believe that one and the other are linked, anyway. We once talked about a question that was that Art only happens if you let the savage in: “People often think that Art is the most highly cultivated, disciplined, organized human production; yet, while it requires a long preparation, Art only happens if you let the wild one in.” The Etiquette of Freedom, Gary Snyder.

JPS: Yes, that’s right.

TS: I find it a very interesting idea because in fact, obviously, we have to define things well; for me, ‘savage’ is absolutely not a reference to Rousseau, to the ‘good savage’, which personally I have never approved of, but there is a savagery in the work of Art, and specially in the major work of Art. If we look at two examples on which I am working a lot, one is Gustave Courbet and the other one, it is Picasso, there is in Courbet savagery, in certain works. Let’s take “The Deer’s Hallali” which is presented here, in this Museum of Fine Arts, which is a huge canvas. This painting is pure savagery and if we take another work that is even more famous, it is “The Origin of the World”. It is obvious that there is savagery in “The Origin of the World”, if only in this pubic hair that reminds the viewer of the origin or the animal cousin of the human being. And then, with Picasso, we see savagery also, I think obviously in “The Young Ladies of Avignon” and there, when he paints this work, even if he exposes it only ten years later; the critic, the public does not understand, they see savagery and there is some; not only in the bodies but also in the faces and then, we see it, also, in “Guernica”. So we can see that in most of the major works of art, finally, there is always a part of savagery that is present. And I believe that in your Plexiglas paintings, for example, we see it very well.

JPS: Thank you, yes, we also feel that in Pollock’s works, this kind of cosmic ejaculation, Pollock’s work is very ejaculatory, he’s an artist that I respect of course, because I was lucky enough to live in New York for a long time and to see his work often and I wanted to quote Gary Snyder again; I’ve just read an Interview with Jim Harrison and Gary Snyder in The Etiquette of Freedom, and we get back to Western culture; he says: “I don’t like Western culture because it contains, in my opinion, a lot of mistakes that are the cause of a very old environmental crisis.” Here we are talking about environment, but we could also talk about Art, that is to say, that the initial preconceptions, the foundations, the initial prejudices were not the right ones. The religious art that was put forward, Christ on the cross, the Virgin Mary and all that, made people deeply sexually frustrated… Westerners have lost a lot! He is deeply frustrated with its own body… What is important is the body, it is the way we live our life and we must live it as fully as possible. Buddhists, Taoists, Hinduists and animists still have the discipline of experiencing their body more fully and more deeply.

TS: Yes, it’s the body and then it’s also, since he mentions the environment, and there again, we go back to the roots of Judeo-Christianity, from the starting point when, in Genesis, we are told that God created the world, the animals, Nature and then, he ends up creating man and woman and it is indicated, that Man will dominate Nature; As soon as we start from the principle that there is a domination of nature, as opposed, for example, to Confucianism, and there, your “Four Pillars of Heaven” remind us of the four pillars of Confucian wisdom, as soon as we start with the principle that the idea is rather to live in harmony with Nature, necessarily and de facto the consequences are not at all the same.

JPS: Yes, that’s absolutely true.


JPS: I wanted to come back to this beautiful quotation from the book I mentioned earlier by Jim Harrison and Gary Snyder and so it talks about rambling… And you wanted us to talk about it Thierry: “Rambling is very valuable in terms of survival. The rambling is one of the engines of the evolution. The evolution does not function entirely on the basis of intelligent mechanisms. There’s also a good deal of extravagance at work.”

TS: Yes, that’s quite right and I like this idea of rambling very much then, it’s true that art historians have their hobby and in particular, because what I appreciate enormously the preparatory works of artists that go from the first sketch to the finished work and that allow us, in what we call genetic criticism, to see what is the evolution of the artist towards his work. And finally, we are in the middle of a rambling process that we can identify, because we have the elements. So it’s true that with you, it’s a little more complicated because there is no real preparatory work; on the other hand, we can look for the divagation when we examine all the layers one after the other, that you accumulate on your works; there, we see well that there is a divagation, similarly through time and also through space; since the sources from which you draw, it is as well in pre-Columbian Art, in Amerindian Art, as in hentai Art which is much more contemporary and Japanese, the ancient Egyptian Art also, therefore there is really a whole source of wandering I would say vertically and horizontally.

JPS: It’s true, yes, all directions, multidimensional! But to come back to what you just said, I will always remember that I went to see a Kandinsky exhibition at Beaubourg in Paris, many years ago, maybe 30 years ago and there was a big canvas and there was the little preparatory drawing next to it. And the preparatory sketch was full of life and joy but the final oil painting was completely blocked and that’s what I want to avoid in my work, really; no preparation, I don’t prepare anything. Well my images are prepared of course but I want that chance, coincidence or vital energy to circulate freely, that is very, very important, even basic, yes!

TS: Yes, it’s true, I work with contemporary artists, who tell me that the preparatory work makes them lose their spontaneity, so they prefer to work directly, which I completely understand. But moreover, often, when I examine the preparatory work of artists, from the 19th century or others, it’s true that I sometimes have a preference for the preparatory work, rather than for the final work.


JPS: Because it’s not the idea that’s there, it’s the primary energy, what drives us. It’s the soul somehow, we could talk endlessly about the disappearance of the soul today but it’s the soul that is there, yes, truly. I wanted to show you some drawings from which I drew my images. It must be said that what marked me, mainly, to make a somewhat cosmic work, is of course my trip to Egypt with my grandfather and my sister, because I was lucky enough to see Nefertari’s tomb and to enter this finite space, closed but which is also paradoxically cosmic at the same time. It is a little bit what one finds in my work, my work is finished, closed but I hope that one can reach another dimension… And it is the first function of Art to make us reach something more powerful and also beyond death, because, finally, all these tombs were decorated for the dead and were not made to be seen. In some way, we rediscover them today, after 4 to 5000 years of absence.

Yes, all Egyptian art is funerary art.

JPS: Absolutely, yes. So it is this Art that marks me as well as the Art of the Maya. Here, we see for example the Bull-God Apis which brings the mummy in the other world. The power of the animal is magnificent and it is thanks to its power that we can enter the other world and today, it just ends up as a slaughter animal. So, all this marvellous and ‘magical’ relationship that we had with the living has of course disappeared, that’s really sad and so I wanted to show you this other image because we have here a painting, It’s from a book by George Catlin, a painter from the 19th century who traveled, he took his easel and he witnessed the disappearing traditions and customs of the North American Indians, of the plains, and here we see this circular assembly of skulls and there are scaffoldings too, in the back. That is to say, after people die, they let the remains dry in the air for 2 to 3 years; we often saw in the movies the people passing through these Indian cemeteries and when the skeletons have completely disappeared, they put the skulls of their ancestors, like that, in a circle and thus, it creates what we call a tribe, a community. But unfortunately today this tribe, this community is more or less lost, even with our dead within us, so that’s probably why we feel so lonely because there are not so many funeral rituals anymore and that’s what’s bothering me a bit, this disappearance of rituals.

TS: There are two aspects in the different visuals you show us. There is a first aspect which is the figure of a god or in any case, a spiritual entity; the fact of showing it and we find them in your works, they are included in your works, it is also to revive it. I was always very surprised by a fantastic novel of Jean Ray entitled Malpertuis where he makes evolve in a house some characters and one realizes, after of a certain time, that these characters are in a human envelope but that they are the gods of Olympus and they finally say: “We will exist as long as one will speak about us, the day when one will not speak any more about us, we will evaporate.” I think that’s absolutely true and that’s what we find in the works that you make; it’s that you bring these entities to life, whatever the geographical area and the century to which they belong, you bring them to life by materializing them in a certain way. And then, there is a second aspect that seems interesting to me, there, in the last visual that you showed us with this circle of skulls, it is the importance of the ritual. Rituals are not necessarily religious, they can also be quite simply social; rituals create links and they are also pillars of culture and it is true that we find rituals like this one, which is an Amerindian ritual, we find them in many other cultures… Perhaps it is something that is a little abandoned today in the West?


JPS: Well yes, we don’t have the practice anymore, we don’t practice of course! And that hurts everybody, we are not going to be backward-looking and say that it was better before, but the relation to death is one of the relations, the first one, that defined Humanity. So, of course, when we throw the dead in garbage cans as we did during the Covid pandemic, well almost, I extrapolate and exaggerate a little but I think that the position of the Man towards the bodies, the parents, the grandparents or the children who die, it is important. What one can do as artists? Not that much, but we can at least speak and testify that at certain times, these rituals once existed.

TS: There is another aspect of your work that I find quite interesting when we look at each of your Plexiglas for example, it is your appropriation of space. There is no zone where you leave a void, the whole surface is covered and I find that really fascinating because, finally, you don’t leave the gaze any opportunity to rest, the spectator has to look deeply and do a real analytical research in order to discover all the layers that you superimpose and without having, I would say, the alibi of a zone that would have remained blank.

JPS: Neutral, yes!

TS: Yes, neutral, somehow, that could allows it to rest.

JPS: Yes, you are absolutely right, yes! I work with wholeness. Yes it’s true, life is fullness of course, yes


JPS: I would like to evoke, after many discussions with you, and after many readings on Buddhist philosophy, I wanted to emphasize this part which is entitled: “Ego exit” that is to say the exit of the ego. And I, as an artist, I really want to get out of an individual thought to enter into a thought, a collective unconscious; what we talked about earlier and I can reach out to that thanks to eroticism, to the sacred and to the omnipresence of sex, because it’s true that my work is often very sexual, as I think that sexuality, it’s of course the primary origin obviously and you, who are a specialist of the History of Art linked to sex, maybe you’d like to talk about it a little bit?

TS: Yes, all the symbols that you bring together in your works have, because they often have this very ancient origin and therefore, a relationship to Nature that was largely older than Western culture, if we consider that it begins with Greek philosophy. Finally, you have references to fertility, to the rites of fertility but also to its opposite which is the finiteness thus the relation to death. We also have references to beauty, to pleasure, to suffering, it is very complete and what is interesting, it is this intermixing, this mixing together that you practice of the sacred and the profane, it is something which is often very foreign to our current way of thinking, where we will consider that the sacred and the profane cannot mix, where we will consider that there is a hierarchy, the sacred being superior to the profane and in your works it is absolutely not what we find; you are going to superimpose the sacred to an image that is going to be of a powerful eroticism, as for example certain Japanese hentai and finally, we realize all the difficulty that the contemporary public will have to really understand your work. We saw what happened from time to time about “The Origin of the World” by Courbet. And I would say that the artist today, finally, is caught between two choices, on one side the conservatives and then on the other, all this new progressivism which, for example, I think of neo-feminism, which is no longer at all pro-sex feminism, which is a movement that has had its importance historically, but on the contrary, we arrive at a kind of anti-sex feminism that will see the evil where it is not, as long as it is a work of Art.

JPS: Yes, it is true that today, not only morality has opened up but the problem is that the market has closed since all what is sold on the Art Market are mainly politically correct works, we have often talked about that. There is also the money which takes a large part in removing a whole section of the Art nowadays which seems not having any more reason to exist. In France, if the collector François Pinault does not buy your works, your works do not exist! You cannot show it, neither in museums, nor in galleries, that poses a real problem… And well, we don’t really have the solution. It is creating a great frustration for us, today, to be an artist, even if we try to make art that works as a snowplough, that pushes, that opens the roads; and we open the roads for whom? For what? This exhibition has been presented here for two years and I have had absolutely no feedbacks, neither good nor bad. One has the impression that Art passes like that… It is not even a river. And I know that my work has strength and force and I would like that somehow the public becomes aware of it and that it tells me so… It’s true that this is a big question to ask oneself today.

TS: Yes, that’s the difficulty. We had an art that was, for a long time, religious or in any case close to certain rituals; then, we had a more decorative art and what always amused me a lot in the 19th century for example, were the art dealers who made a fortune by renting some paintings of great masters to a bourgeoisie who could not afford to buy them but who still wanted to hang on their walls a great master for a month or two in their apartment, it was very funny. And then finally, we arrive today, with the Art Market, at a notion of ‘Art investment’ and it is true, that to consider Art as an investment, that is to say to consider a work of Art as real stock market exchanging goods, I admit that I find that rather worrying.

JPS: Yes, it’s absolutely true, it’s a difficult situation, our times are a bit harsh, not only with this Covid, I think that the life of the artists has always been a bit difficult obviously, one should not complain too much. It is a beautiful life nevertheless, imagine that I have the chance to be exposed in this museum, here, that my work is presented and that people can have the chance to come to discover it. And you talk about the 19th century; what is deeply questioning me is what was this great power of the French writers and the deep attraction and interest of these French writers towards the Art and the artists, because now I am reading Stendhal’s book Rome, Naples and Florence and although he often criticizes French mentality, he says: “Our people cannot rise to understand that the ancients have never done anything to decorate, and that with them the beautiful is only the projection of the useful.” Art is useful and it’s very important to say it, it’s really very important to say it, we must not lose sight of that.

TS: It’s interesting what Stendhal says, because at exactly the same time, Théophile Gautier is going to take almost the opposite position, but to get at a rather similar idea, finally, the 19th Century, with its technology, machines, etc., is a very utilitarian century and that all the strength of Art, is precisely to be useless.

JPS: Yes, it’s true!


TS: Finally, there are two arguments that seem to oppose each other but that end up at about the same level, that is to say, putting Art in a place superior to everything else.

JPS: Yes, if it’s useless and it’s superior. Yes, you are right! I wanted to finish our interview with this sentence of Jung that I appreciate very much and I wrote a text: Uxmal-New york, a Mayan Diary as I often traveled with my friend Olga to Mexico, to Guatemala, and when I came back from Mexico and found myself again in New York, I said to myself that something had disappeared and was missing me, precisely the spirituality. And because of this high technology which allows us to travel more easily but which also handicaps us a little. So, I wrote a text about it and as an introduction to it, I added this short sentence from Jung that we should think about: “When we think about the endless growth and decay of life and civilizations, we cannot escape the impression of absolute nullity.” When you look really carefully, everything disappears, except Art, in quotes. “Yet I have never lost the sense of something that lives and endures under the eternal flow. What we see, is the flower, which passes. But the rhizome remains.” Like Art of course, it’s in Jung’s book Memories, Dreams, Reflections. And I hope that Art can perdure and also feed the unconscious of our contemporaries, it is very important.

TS: I really like this image of the flower and the rhizome. And finally it is an image that brings us back to your work, that brings us back in particular to the works on which you worked around the lotus flower or the water lily. And we have exactly… it is enough to observe any pond, we have exactly this image: every year, the flower of water lily disappears but the rhizome, which is anchored at the bottom of water, remains and every year, this water lily is reborn, thus I find there, a very interesting analogy.

JPS: Thank you Thierry. Would you like to add something?

TS: I think that, to be really aware of your Art, it is necessary to see it in person, therefore, I can only invite people to come here, to the Museum of Fine Arts and Archaeology of Besançon, to see this quite amazing exhibition. It’s a great installation that will allow you to get a better idea than with just only visuals.

JPS: Thank you again. I would like to point out that you are the co-curator of an exhibition that is currently taking place at the Courbet Museum in Ornans. “Courbet-Picasso, Revolutions!” (July 1 – October 18 2021), which is a wonderful exhibition. Thanks again to all.

TS : Thank you.


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L'Art, comme le sexe, a à voir avec la transcendance de la réalité, des couleurs, du plaisir et de la mort...


il nous a raconté que pour devenir artiste : "Tout d'abord, vous devez apprendre beaucoup de choses, lire beaucoup de livres, voir beaucoup de films, visiter beaucoup de musées, vivre beaucoup d'expériences, visiter beaucoup de pays, avoir beaucoup de sexe, peindre beaucoup de tableaux... avant même de savoir vraiment ce que vous voulez et pouvez faire. Et quel sera votre vrai cheminement artistique personnel ?

Luxury Splash of Art : Jean-Pierre c'est un grand plaisir de vous interviewer ; merci de nous avoir accordé du temps pour partager votre histoire de vie artistique.   
Aujourd'hui, je voudrais vous parler de votre travail artistique, de vos projets, de votre inspiration, de votre spiritualité et de votre exposition actuelle les "4 Piliers du Ciel" au Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie de Besançon. Mais avant d'en arriver à ces questions, pouvez-vous nous en dire plus sur vous. Quand votre voyage artistique a-t-il commencé et qu'est-ce qui fait que l'Art vous passionne autant ?

Bonjour chère Agnieszka et les lecteurs du Luxury Splash of Art, merci pour l'intérêt que vous portez à mon travail et pour vos questions. Être artiste plasticien, c'est embrasser le plus vieux métier du monde, avec tout le respect dû aux prostituées, dont on dit communément qu'elles font le plus vieux métier du monde ! En tout cas, quand on pense aux premières traces de l'humanité, au-delà de tous les squelettes et du matériel génétique découverts par les archéologues comme les squelettes et les déchets trouvés dans les campements troglodytes ou dans les tombes ; les artistes sont à l'origine et ont posé les premiers jalons tangibles de la pensée et des croyances humaines. Ainsi, être artiste professionnel, en tant que métier, en tant que spécialiste de l'image, est sans aucun doute beaucoup plus ancien qu'être prêtre, architecte, guerrier, agriculteur, politicien, assureur ou même banquier ! Et c'est comme si l'on appartenait à une longue lignée, à une grande famille ou à une sorte d'"old souls club". Picasso a dit un jour dans une interview par le célèbre écrivain français et ministre de la culture André Malraux dans Le Miroir des limbes, "Savez-vous ce que je pense, des fois ? Ça m’amuse : je suis superstitieux. Je pense que c’est toujours le même Petit Bonhomme. Depuis les cavernes.
Il revient, comme le Juif errant. Les peintres se réincarnent forcément comme peintres. C’est une race. Comme les chats."

Ainsi, être artiste, c'est faire partie d'une communauté éternelle et en même temps, avoir besoin d'être à l'extérieur, en marge des principaux courants de pensée et des sociétés dominantes dans lesquelles nous vivons, afin de mieux comprendre et d'englober l'ensemble des choses et des problèmes. Il est également utile d'être une espèce de guérisseur, car l'Art est toujours profondément lié à la Mort ; l'Art a toujours gravé dans ses basques et son essence, le filigrane de la Mort ainsi que le poids du souvenir des morts, vraiment assez paradoxalement plus profondément que l'Amour, je crois en tout cas. Comme l'a dit Henry Miller dans Remember to Remember : "La mission de l'homme sur terre est de se souvenir". Sans œuvres d'art, nous ne saurions nullement parler de toutes les existences de tous les Dieux et Déesses historiques, de tous les rituels que les images et les statues ont accompagnés, dépeints et rendus possibles. Ce serait alors un Monde vide, désenchanté et sans mémoire. D'une certaine manière, l'Art est l'incarnation du vivant dans sa présence, son mouvement et sa réalisation. Non seulement il a et il nourrit encore l'inconscient personnel et collectif, mais il est et a été un support pour toutes les pratiques "spirituelles" qui ont commencé il y a très longtemps et qui se poursuivent dans aujourd'hui.

Quant à ce que représente l'Art pour moi : en quelques mots, je peins depuis mon enfance et j'ai continué à le faire dans un processus ininterrompu jusqu'à maintenant. Enfant, j'ai souffert de terribles crises d'asthme alors peindre des images d'animaux et de paysages, m'a donné une merveilleuse façon d'échapper à la souffrance et aux fortes angoisses de la peur de mourir par suffocation. C'est aussi cette dimension importante que je voudrais évoquer ici et qui est le fort pouvoir de guérison de l'Art, pour soi-même et pour les autres. Je crois que aussi l'Art peut être vécu comme une révélation, c'est ce qui m'est arrivé lors de différents voyages en Egypte (dans la tombe de la Reine Néfertari à Louxor) et au Mexique lors de la visite des pyramides sacrées comme Chichén Itzá ou Uxmal. D'une certaine manière, il faut vivre l'Art avec son corps tout entier, non pas seulement avec son esprit, ses connaissances ou avec des reproductions imagées. C'est à la fois une expérience physique (sensuelle) et spirituelle. L'art nous aide à ressentir le flux constant d'énergies vitales, comme le sang, les rivières, les étoiles... Cela relève d'une appartenance à l'Univers et du fait d'être interconnecté d'une certaine manière. À un moment donné, c'est aussi un langage qu'il faut apprendre, auquel il faut s'initier. Pour en revenir à Picasso qui disait : "Quand les gens veulent comprendre le chinois, ils pensent : je dois apprendre le chinois, non ? Pourquoi, ils ne pensent jamais qu’il faut qu’ils apprennent la peinture ?"

LSA : Une fois, vous avez dit que vous vouliez "Making art alive in a society which is spiritually dead.", pouvez-vous m'en dire plus à ce sujet ? L'Art doit-il toucher l'Ame ou doit-il se vendre ? Peut-être les deux ? Quel est votre point de vue ?

JPS : Oui, exactement, j'aime toujours relire cette phrase là, parce que pour vous dire la vérité, si vous ouvrez vraiment les yeux à notre réalité et cherchez la vérité : nous sommes actuellement confrontés à une situation vraiment difficile, profonde et désespérée, presque apocalyptique. Je vous épargnerai la liste des mauvaises nouvelles pour ne pas trop vous affoler, ni affoler le lecteur mais nous en sommes tous conscients. Et ce qui me frappe le plus émotionnellement, c'est vraiment d'avoir le sentiment de la disparition de la spiritualité ou mêmes des spiritualités, nous conduisant de facto à la disparition de l'âme. Il y a quelques mois de cela, j'ai écrit un petit texte à ce sujet : Au sujet de la disparition de l'âme aujourd'hui, après avoir lu le très beau livre de Maurice Maeterlinck, Le Trésor des humbles, dans lequel il déclare : "Il y a vraiment des siècles où l'âme se rendort et où personne ne s'en inquiète plus" et même le général De Gaule, l'homme le plus connu et respecté du XXe interrogé dans le même livre de Malraux, dit à peu près la même chose : "Et si notre civilisation n'est certainement pas la première à nier l'immortalité de l'âme, c’est bien la première pour laquelle l’âme n’ait pas d’importance."

Ces phrases sont profondément émouvantes pour moi et en tant qu'artiste, je ne peux pas m'imaginer vivre dans un monde totalement sécularisé et privé de toute spiritualité. De fait, ma pratique artistique me permet d'exposer mes œuvres dans des galeries, des foires d'art et des musées et j'ai toujours le sentiment que le public, dans son ensemble ou même les conservateurs ou les critiques d'art, en particulier, n'ont aucune idée, aucun accès à la signification, à la présence des différentes forces spirituelles, fortes et puissantes émanant de mes peintures. Mais encore une fois, pour citer le livre de Malraux : "Le temps de l'Art ne coïncide pas avec celui des vivants". Donc, je dois m'en accoutumer. Ça a été un défi constant pour tous les artistes importants au fil des temps. D'autant plus aujourd'hui, puisque l'Art, par et à travers le Marché de l'Art et son commerce, est devenu un produit manufacturé industriellement et très luxueux, que seuls quelques gens ultra-riches (only a select few!) peuvent se permettre d'acheter et d'exposer. C'est une situation nouvelle à laquelle personne n'avait pensé auparavant. L'Art est maintenant confisqué par les très riches et puissants, cela s'est déjà produit auparavant avec les religions et les pouvoirs politiques mais à cette époque, l'Art était censé éduquer les masses ou les non-croyants alors, il pouvait toujours être vu par tout le monde dans les églises, les temples ou les bâtiments publics. Ce qui n'est malheureusement plus le cas aujourd'hui où la plupart des œuvres d'art achetées dans les salles de vente aux enchères finissent par être enfermées dans des coffres-forts privés et sécurisés. De surcroit, si par exemple, vous consultez la liste des prix des œuvres d'art sur Artprice, vous pouvez constater par vous-même, que les œuvres d'art se vendent à des millions de dollars mais le côté vraiment sombre de la situation est que personne ne regarde les œuvres d'artistes qui ne vendent pas à ce niveau de prix élevé (à moins de 100 000 dollars américains, vous êtes un moins que rien, un pauvre inconnu) ; ces artistes ne peuvent plus exister, ni exposer, ni survivre d'aucune façon aujourd'hui.

LSA : Merci beaucoup de partager votre point de vue, c'est très intéressant ce que vous dites. La spiritualité est très importante pour vous, c'est que le message que vous voulez faire passer à travers votre art ? Qu'aimeriez-vous que les autres voient dans votre travail ?

JPS : Eh bien, l'Art n'est pas seulement porteur de messages : esthétique, politique, environnemental, idéologique ou même spirituel mais plus précisément et plus fidèlement un vecteur d'énergie pure. C'est quelque chose qui doit vous toucher aux tripes, aux organes génitaux, aux yeux et vous émouvoir. C'est une énergie, comme une batterie nucléaire, une tempête, un vortex, le sexe d'une femme, un flux, comme un défilé, un carnaval, une vraie procession de squelettes (non pas comme la drôle de Parade d'Halloween sur la 6ème avenue à NY) et aussi, simultanément, un papillon tourbillonnant dans un rayon de soleil dans la douce lumière du printemps finalement revenu !
Plus sérieusement, je veux que mon Art atteste, qu'il soit le témoin, le jalon, l'étendard des présences de toutes les myriades de sociétés primitives et des cultures traditionnelles en voie de disparition qui à un certain moment, à certaines périodes, étaient vivantes et florissantes dans le monde entier. Comme l'a récemment déclaré lors d'une interview radiophonique la grande photographe de rue Sabine Weiss : "Tout change ! Mais il est bon d'avoir été photographe pour être témoin de beaucoup de jolies choses qui vont disparaître".

J'éprouve donc une forte et passionnante curiosité envers ces différentes cultures, ces différentes façons de penser, ces différentes façons de faire l'amour, ces approches amoureuses différentes ou ces pratiques rituelles inimaginables afin d'honorer les morts, de régénérer et revitaliser la Vie, notre vie, en quelque sorte, quelque part, car rien n'est gratuit dans ce monde ci. Cela peut être philosophique, comme le bouddhisme, ou l'hindouisme ; ou esthétique, comme presque toutes les œuvres d'art précolombiennes, comme celle de la Reine maya Lady Xoc, effectuant un sacrifice sanguinaire en se passant une corde par un trou dans la langue percée afin d'entrer en transe pour rencontrer dans sa vision, le serpent cosmique Quetzalcoatl. Parfois, j'utilise aussi des images de bondage japonais pour montrer comment un corps enchaîné, peut accéder à l'extase sexuelle, en retournant paradoxalement, l'angoisse corporelle en orgasme sexuel libérateur. L'Art, tout comme le sexe d'ailleurs, a à voir avec les transcendances des réalités, des couleurs, du plaisir et de la mort.

LSA : Certains artistes disent que l'Art et la création sont comme une méditation, qui leur permet de se sentir connecté avec le moi intérieur et l'univers. Qu'en pensez-vous ?

JPS : Oui, c'est tout à fait vrai. Car le processus de travail est long et fastidieux tout du long et l'artiste doit y être pleinement concentré et présent. Vous devez être attentif à ce que vous faites à chaque étape, à chaque moment de ce processus et si vous n'êtes pas présent, vous le raterez. Bien sûr, c'est comme dans tout enseignement spirituel de toutes les parties du monde : Si je suis présent, Dieu (quel qu'il soit et quoi qu'il soit) doit l'être aussi. Comme il est dit dans Les Hymnes Spéculatifs du Véda hindou :
"J'ai embrassé tous les êtres,
afin de voir le fil tendu du sacré,
là où les dieux, ayant atteint l'immortalité,
se sont dirigés vers leur commune demeure." Dans JPS Notes Besançon – 2005-présent

LSA : Où puisez-vous l'inspiration pour vos projets et combien de temps faut-il entre le moment où le processus de création commence dans votre tête et le moment où il est prêt. Vous laissez-vous guider par l'intuition ou préférez-vous que chaque étape soit planifiée ?

JPS : Premièrement, je collecte, rassemble et glane des images. Des images représentant des rituels anciens de différentes sociétés, comme je l'ai dit plus tôt. Lorsque j'étais à New York, je prenais beaucoup de photos dans les musées, mais maintenant je les trouve surtout sur le web et principalement des photos érotiques. Il est un fait qu'environ 50% des images circulant sur le Web sont des images pornographiques et il me semble que certaines d'entre elles, très, très rares et uniques, possèdent une sorte d'aura mystique extatique. C'est principalement ce qui suscite mon intérêt pour certaines œuvres d'art dans l'Histoire de l'Art : son aura, sa présence. On peut la voir dans les œuvres de Vermeer, de Giotto, de Pollock, de Rothko, dans certaines peintures rupestres, dans des graffitis ou dans de nombreuses peintures indiennes Moghols et aussi bien sûr, dans presque toutes les œuvres dites "primitives" etc. Ainsi, en choisissant une pauvre image populaire "vulgaire" (comme l'ont fait les artistes pop de New York dans les années 60), qui n'a pas grande importance ou signification, je la transforme, de part ma pratique, en une sorte d'Icône. Cette "sacralisation" se fait, bien sûr, tout au long du long processus de sélection de l'image, du long processus de la redessiner sur mon ordinateur et de sa sélection au jour J, en fonction de ce que je veux faire au moment où je vais finalement sérigraphier cette image sur ma table d'impression. Bien entendu, le processus de sérigraphie nécessite également une préparation importante, au moment de l'impression des images et surtout au moment du choix de la couleur. Et tout au long de ce processus, j'utilise mon intuition et mon esprit spirituel et mes connections avec l'Art en général, ainsi qu'avec le soleil, l'eau, mes ancêtres, les abeilles, le sol (la terre) ou tous mes désirs sexuels... 

LSA : Dans votre travail artistique, vous utilisez différentes méthodes et supports ; vous créez de grandes installations, vous peignez, vous sculptez, vous faites des croquis, de la scénographie... Quelle est votre méthode préférée pour vous exprimer et pourquoi ? Le processus de création de votre art est-il stimulant, si oui, de quelle manière ?

JPS : Oui, j'aime faire beaucoup de ces choses passionnément et toutes les façons de m'exprimer sont importantes dans le présent et même plus fortement a posteriori, car la vie est toujours en évolution et quelque chose que vous étiez capable de faire il y a quelques années, vous n'êtes plus capable de le faire aujourd'hui, par manque d'argent ou à cause d'autres problèmes à l'atelier, etc. C'est pourquoi j'aime aussi écrire des textes, ce qui ne me coûte rien (surtout pendant certaines années de vaches maigres car je n'ai pas toujours assez d'argent pour acheter des fournitures artistiques !) L'écriture est également importante pour moi, non pas pour me justifier, ni pour expliquer mon œuvre, mais pour dire une chose similaire d'une façon différente. Nous savons tous que pour accéder au centre de la connaissance et de la mémoire dans notre cerveau, chaque canal est valable. Il y a quelques années, j'ai également commencé à filmer des interviews vidéos avec des amis dans mon studio. Je crois que c'est un grand changement de vivre aujourd'hui avec ces nouvelles possibilités technologiques qui nous permettent d'utiliser tous ces différents supports qui peuvent être facilement partagés sur le web. Je ne suis pas sûr que cela ait le même impact que l'expérience physique personelle que l'on peut avoir devant un tableau mais au moins cela peut ouvrir les portes afin que de nouvelles personnes puissent découvrir mon Art.

LSA : J'aimerais vous interroger sur votre exposition actuelle "Les 4 piliers du ciel" au Musée de Besançon. Cette exposition est votre dernier projet rassemblant huit grandes installations. Pouvez-vous m'en dire plus sur ces œuvres d'art ? Qu'est-ce qui vous a inspiré à les créer, comment ont-elles été créées et y a-t-il un message pour le public dans vos œuvres d'art ?

JPS : Oui, depuis septembre 2019, 72 tableaux carrés de peinture sur Plexiglas, mesurant chacun 1,05 x 1,05 m, ont été installés sur huit panneaux entourant les quatre coins des deux énormes escaliers principaux du Musée. Cette installation monumentale Les Quatre Piliers du Ciel, d'une surface de quatre-vingts mètres carrés est, à ce jour, la plus grande que j'ai jamais réalisée. Cette installation m'a été proposée par le Directeur du Musée, M. Nicolas Surlapierre, qui a eu la grande idée d'accrocher cette immense sélection de peintures parmi cette belle architecture historique, dont les origines remontent à 1694 et qui constitue la plus ancienne collection publique française. 
Ce fut un projet très difficile à réaliser, car les techniciens ont travaillé pendant plus d'un mois pour fixer les panneaux de bois sur les vieux murs de pierre qui sont très hauts et les assistants et moi-même avons dû travailler sur des échafaudages à plus de 5 m de hauteur. C'est un grand honneur et un privilège de voir mes œuvres exposées dans ce bel espace où toutes les peintures assemblées et reliées entre elles dégagent vraiment une étonnante énergie et pourraient, espérons-le, amener le spectateur dans un état, une expérience de joie, d'élévation esthétique ou même mystique, souhaitons le. L'exposition durera probablement quelques années et un catalogue d'exposition a été publié. J'ai donné une conférence au Musée et nous avons filmé trois entretiens avec des professionnels de l'Art et amis que vous pouvez voir sur ma page Vidéos - Interviews. Voici un extrait du communiqué de presse :

Je veux que mes peintures et mon Art soient : un art-mur (même une armure si l'on veut ! Peu m'importe !), un art-architecture (comme les tipis indiens), un art-animaux (comme Lascaux), un art-arbre, un art-rivière, un art-vide (comme pour les moines bouddhistes zen), un art-nature, un art-sexe, un art-mort (comme les tombes égyptiennes), un art-plaisir (dionysiaque), un art-présence, un art-âme, un art-joie (comme dans les livres de Jean Giono), un art-corps (comme dans la sexualité) etc.
Donc, il n'y a pas vraiment de message simple et singulier, car mon art est très complexe et ce serait plutôt un conglomérat, une agrégation d'images, une multitude d'informations visuelles et d'impulsions stimulantes comme le déploiement, l'épanouissement, la germination, l'éjaculation d'une vie entière, colorée, multiculturelle et sexuelle !

LSA : Y a-t-il un message que vous aimeriez partager avec les lecteurs de Luxury Splash of Art ?

JPS : Tout d'abord, merci beaucoup d'avoir lu cet article jusqu'au bout, j'espère que vous l'avez trouvé intéressant et enrichissant. Deuxièmement, je voudrais citer le peintre allemand Emil Nolde : "J’obéissais à un besoin irrésistible de représenter une spiritualité profonde."
Ce qui nous montre profondément comment l'aspiration du sens, les recherches et les quêtes spirituelles sont importantes voire, substantiellement essentielles pour certains artistes, pas pour tous ! Paradoxalement, c'est quelque chose qui semble totalement absent de la production artistique actuelle. Car nous vivons aujourd'hui, dans une société principalement et uniquement basée sur l'argent, qui est la seule valeur suprême adorée comme le veau d'or biblique et cette déspiritualisation est donc plus que normale, car l'argent n'a bien sûr aucune valeur spirituelle intrinsèque !

LSA : Avez-vous des conseils a donner pour des jeunes artistes débutants ?

JPS : Oui absolument, l'Art n'est pas une simple affaire facile et le temps est à la fois notre ami et notre ennemi car on ne peut pas vraiment devenir un artiste important, avant l'âge de sa maturité physique et à quelques rares exceptions près, tous les artistes ont réalisé leurs œuvres importantes pendant leurs années de maturité. Pour cela, il faut donc être extrêmement curieux et profondément patient. Je viens de lire ce matin sur Twitter un article sur la célèbre écrivain-voyageuse suisse Ella Maillart qui dit "J'avais un sac de couchage, quinze jours de provisions sur le dos et je me disais : Il faut aller voir la beauté du monde, en attendant de savoir pourquoi je vis." C'est un fait, une réalité : tout d'abord, il faut apprendre beaucoup de choses, lire beaucoup de livres, voir beaucoup de films, visiter beaucoup de musées, vivre beaucoup d'expériences de vie, visiter beaucoup de pays, baiser beaucoup, peindre beaucoup de tableaux... avant même de savoir vraiment ce que l'on veut et ce que l'on peut faire artistiquement et quel sera votre parcours artistique personnel ? Pour citer une nouvelle fois Picasso, il a dit un jour : "Tu copies, tu copies, et puis un jour tu rates une copie et alors, tu fais une peinture originale."

LSA : Ce fut un grand plaisir de vous parler. Merci de nous avoir accordé un peu de votre temps. Bonne chance pour vos futurs projets. Où pouvons-nous trouver votre travail, veuillez svp partager le lien vers votre site web et les médias sociaux. 

Oui, ce fut un grand plaisir d'écrire cet article avec vous, merci beaucoup pour vos questions intéressantes, chère Agnieszka. Mon travail peut être vu au Musée des Beaux-Arts & d'Archéologie de Besançon (quand il rouvrira), dans mon Studio et à la Galerie Keller de Zürich, en Suisse. Vos lecteurs peuvent également me suivre sur divers médias sociaux et je serai très heureux de poursuivre cette discussion avec eux. Je vous souhaite à tous une bonne journée ainsi qu'une belle vie en ces temps difficiles et troublés, avec mes meilleures salutations de France.

Jean-Pierre Sergent, Besançon, France, le 7 février 2021

Entretien de Jean-Pierre Sergent avec Catherine Jeanson pour le JMH


1/Vos œuvres vont intégrer l’exposition « Voluptés ». Vous ne pouviez-pas rêver mieux au regard de votre intérêt pour la jouissance de la vie ?

Oui, bien sûr ! Cette exposition rendue possible grâce à mes amis Maryse Garinginet et Pierre Bongiovani qui préparaient cette grosse exposition estivale « Voluptés » et qui sont venus à atelier en décembre 2019, où Pierre a découvert mon travail monumental. Nous avons décidé alors de présenter un florilège d'œuvres érotiques. L'érotisme et ses représentations picturales étant, par ailleurs, la source principale de mon inspiration. Le lieu industriel de l'ancienne usine le Chameau se prêtant parfaitement à l'accrochage de la grande installation murale monumentale Mécaniques cosmiques de la jouissance : Éros* & Hildegarde, extases mystiques & sexuelles de huit mètres quarante de long par trois mètres quinze de hauteur, ainsi que la réalisation de la petite cellule consacrée à Hildegarde von Bingen, avec des œuvres érotiques et mystiques accrochées à son intérieur et extérieur. Pour ce qui est de la jouissance de la vie, je ne suis pas du tout épicurien, ni jouisseur à tout prix et à tout va au sens Onfrayien du terme. Je vis plutôt très humblement, frugalement et simplement dans mon atelier de Besançon, suis végétarien, voyage très peu, ne sors presque jamais, ne bois que de l'eau et du thé vert.
Par contre je pense que vivre est un grand bonheur et une grande joie à l'exemple de Giono dans son livre Que ma joie demeure. Je suis heureux avec et dans la nature et avec les choses simples et frugales et serais plutôt proche de l'attitude et des pratiques d'un moine bouddhiste Zen ou tibétain, de ceux qui dessinent des mandalas avec du sable coloré.

2/Les œuvres que vous allez exposer abordent la sexualité sous un angle qui vous est propre. De quelle manière voudriez-vous qu’elles soient perçues et comprises par les visiteurs qui sont peu ou pas habitués à voir des créations artistiques érotiques dans les musées ou expositions diverses au sein de l’hexagone ?

Appréhender l'érotisme n'est pas chose facile ! Et je pense que pour regarder l'Art, il faut éventuellement devenir Art, un peu comme le chasseur de cigale devenant cigale chez Tchouang-Tseu :
"Je tiens mon bras inerte comme une branche desséchée. Au milieu de l'immensité de l'Univers et de la multiplicité des choses, je ne connais plus que les cigales."
Il faut vraiment ainsi regarder l'Art, comme une rivière indomptée, une source, un animal sauvage ou également un paysage ! Il ne faudrait pas regarder une œuvre d'art avec un avis défini par avance et de savoir si elle est érotique ou pas ? Car l'érotisme et la sexualité font partie intégrante de la Vie et de notre vie en particulier. Dissocier les choses en les hiérarchisant et en les classant de manière rationnelle, scolaire, morale ou éthique, revient à perdre tout émerveillement, toute émotion et à se priver de toute vitalité devant la grande aventure de la vie et le spectacle incessant et fabuleux de la Nature !

3/Vos créations renvoient de manière claire à  la jouissance de la femme et à la femme en extase sexuelle ? Et l’homme dans tout cela ?

Nous sommes tous sortis... vous comme moi, d'un corps et d'un sexe de femme, d'une matrice et d'une vulve, pour le dire plus crûment. Donc le corps féminin est et reste celui dans et avec lequel nous avons vécu et sommes le plus familier et nous gardons sans doute des impressions et des souvenirs de cette vie intra-utérine.
Par ailleurs, historiquement, l'image de l'homme n'est apparue que très récemment dans l'iconographie de l'histoire de l'art. Par exemple dans les peintures rupestres, il y a d'innombrables tracés de vulves, puis plus tard de nombreuses statues de déesses mères aux formes arrondies généreuses et sexuées. Il y eut, bien sûr, quelques représentations masculines, mais surtout ithyphalliques, comme dans la Scène du puits de Lascaux ou dans quelques tracés rupestres. Mais ce n'est guère que quand les pouvoirs politiques se sont affirmés et installés avec l'arrivée des grandes civilisations Egyptiennes, Sumériennes, Grecques ou Romaines, qu'il y a eu majoritairement des grandes statues colossales de corps d'hommes puissants et imposants comme les colosses égyptiens de Memnon, de Ramses II ou des Kouros grecs etc.
Pour ma part, je préfère et de loin, les sensuels et spirituels portraits de femme comme ceux de la Reine égyptienne Nefertari, ou la déesse aztèque Coatlicue qui est surchargée d'éléments symboliques de vie et de mort : serpents, crânes, cœurs etc. Et je souhaite rester hors d'un système politique pour ne servir aucun pouvoir, qu'il soit masculin ou féminin, politique ou religieux et peindre des femmes du commun, ou des pornos stars en état de jouissance, d'orgasme et d'extase sexuels.

4/Les œuvres que vous réalisez en sérigraphie sur du plexiglas sont d’un premier abord, lorsqu’elles sont toutes mises les unes aux côtés des autres, très colorées et contiennent des motifs géométriques répétitifs. Est-ce pour mieux habiller le corps dénudé des femmes que vous représentez ?

Oui et non : c'est de fait un peu la technique du voilé-dévoilé, du bas résille et des dessous chics juxtaposés sur les parties érotiques des corps de femmes extatiques ; ou alors ce sont comme des filets de pécheurs ou de chasseurs primitifs capturant leurs proies, créant ainsi peut-être quelque part, une mise en scène du désir ? Mais l'art n'existe-t'il pas de toute manière que par et dans une certaine mise en scène ?
Plus profondément que cela, tous les patterns géométriques que j'utilise représentent pour moi, ce que l'on peut appeler des matrices du vivant. Des placentas dans lesquels se crée la vie, par la sexualité. Il faut dire ici qu'ayant longtemps élevé des chevaux et qu'après la naissance du poulain, il faut aller jeter et enterrer la délivrance (le placenta chez les humains) dans la nature. Ce geste symbolique de toucher cette matière chaude, gluante, sanguine, fumante et enveloppante, avec son réseau de vaisseaux sanguins, m'a toujours impressionné. C'est de facto Le réseau matriciel de la vie, un pattern créateur de joies et de rêves, car, qui n'a pas été époustouflé et subjugué devant la couse furibonde et étonnante d'un poulain nouveau né ?

5/Pour vous, il est essentiel de ne pas se priver de toutes les joies de la vie. Et le corps a, pour vous, une importance capitale dans la manière dont il est possible d’honorer la vie ? Est-ce que vous pensez que cette idée est devenue obsolète, démodée dans notre société française actuelle ?

Je voudrais citer cette belle phrase d'Antonin Artaud :
"Briser le langage pour toucher la vie c’est faire ou refaire le théâtre (l'Art) ; et l'important est de ne pas croire que cet acte doive demeurer sacré, c’est-à-dire réservé. Mais l’important est de croire que n'importe qui ne peut pas le faire, et qu'il y faut une préparation." In Le théâtre et son double, P. 19

Encore une fois je ne suis ni hédoniste, ni épicurien, mais reste très sobre. Par contre, on ne peut réfléchir, aimer et penser sans un corps et j'essaye, autant que faire se peut, d'en prendre soin et de l'honorer. Je ne pense pas que cette idée soit obsolète ; par contre, je pense qu'il est très difficile pour moi artiste, de vivre dans une société totalement sécularisée, déritualisée, désanctuarisée. L'Humanité a de tout temps honoré la Vie et la Nature dans son entièreté et sa diversité. Mais aujourd'hui, tout est asservi, diminué, rentabilisé et même, assez paradoxalement, ceux et celles qui, ensemble, ont créé cet esclavagisme capitaliste moderne. Alors, bien évidemment notre conscient et l'inconscient collectif en souffrent énormément. De même que nos pauvres imaginaires personnels. Nos contemporains n'ont plus que des rêves médiocres d'achats et d'aventures pré-programmés : qui a vraiment envie d'aller visiter Disney Land ?
Il faut aussi avoir l'honnêteté intellectuelle d'admettre que nous somme entrés maintenant et ceci à l'échelle planétaire, dans une ère véritablement post-culturelle. Alors le problème de la disparition de l'art ou même du corps (à moins qu'ils ne puissent se vendre tous les deux, très, très cher !) comme réflexion et base fondamentale d'une société ou comme pratique exemplaire pour les nouvelle générations, concerne malheureusement l'entièreté de l'humanité et non pas uniquement notre société française !

6/Vous vous intéressez beaucoup à d’autres cultures et vous êtes plus particulièrement fasciné par l’Inde, Pourquoi ? Vous avez également pas mal voyagé et observé d’autres populations que la nôtre ? Qu’avez-vous tirez de tout cela ?

Il faut dire que j'ai eu la grande chance de vivre et de travailler très longtemps dans la New-York multiculturelle, où j'ai rencontré des amis venant du monde entier, ce qui a aiguisé et développer ma tolérance et ma curiosité. Par exemple, les façons d'appréhender l'art et la sexualité varient d'un continent à l'autre et peuvent être totalement différentes, voir opposées, conflictuelles ou antagonistes. Ces diverses façons d'appréhender le monde et la vie, au travers de rituels séculaires et sacrés, des rites funéraires ou de fertilité, nourrissent mon travail depuis ses années new-yorkaises. J'adore également bien évidement les cuisines mexicaine, japonaise ou indienne.
Certains pays m'intéressent particulièrement par la puissance de leur philosophie et de leurs iconographies, on peut citer l'Inde par exemple, pays de la spiritualité par excellence ! Je reste vraiment fasciné par leur multitude de Déesses et de Dieux souvent très sexués. On peut évoquer la Déesse Kali se décapitant lors d'un coït et dont le sang jaillit de son cou pour remplir les bols de ces servantes afin de régénérer le monde. Voici par exemple un extrait des 108 Upanishads, le livre de la sagesse Hindou traduit par Martine Buttex :

"Des milliers de fois auparavant - J'ai vécu dans la matrice d'une mère - J'ai pris plaisir à une grande variété de nourritures - Et je fus allaité à tant de seins maternels - Je naissais, et mourais de nouveau - Et continuellement, je renaissais une nouvelle fois." In Garbha #4

Je suis également fasciné par toutes les cultures amérindiennes et leurs œuvres artistiques, comme les masques chamaniques articulés de la Côte Ouest des États-Unis (ceux-là même que collectionnait André Breton) ou autrement, les images des bondages japonais (kinbaku-bi, magnifique bondage) dont certaines de mes œuvres, en étant fortement inspirées, seront présentées également lors de l'exposition, en particulier le grand Bondage et Gribouillis bleu, 2008, 1,50 x 3 mètres. Nous pouvons bien sûr retrouver certaines images aussi puissantes dans notre Moyen-Âge Européen ou dans certaines représentations "chrétiennes" comme chez Jérôme Bosh dépictant l'Enfer et le Paradis. Mais en Inde, nul besoin d'enfer ni de paradis ! La vie est montrée ainsi dans sa réalité vraie, crue et sexuée ! Et les énergies vivantes ne sont nullement affaiblies ni brouillées par aucune pensée morale, humaniste ou déiste !

Jean-Pierre Sergent, Besançon le 24 juin 2020




En parallèle de la grande expo La Chine rêvée de François Boucher, le musée des Beaux-arts et d’Archéologie abritera Les quatre piliers du ciel , une installation monumentale de l’artiste peintre franco-new-yorkais Jean-Pierre Sergent. 72 peintures sur plexiglas exactement, choisies parmi la série des Suites entropiques et présentées sur huit panneaux se faisant face aux quatre angles des deux escaliers principaux. Réponse colorée et envoûtante à un monde contemporain "bien triste et bien gris", ces oeuvres "parlent de mes voyages et de mes rencontres et de mon amour immodéré pour la couleur, confie l’artiste. Dans un monde qui s’auto détruit, plus de temps à perdre pour faire de l’art pour l’art, mes peintures témoignent de la vie elle même, sans détours, sans fards et sans fardeaux. La vie
est ainsi !"
Exposition jusqu’au 4 octobre 2020 au MBAA

Article Thomas Comte


"Les quatre piliers du ciel" de Jean-Pierre Sergent, par Thomas Comte pour La presse Bisontine, décembre 2019.

Le Musée des beaux-arts expose 72 œuvres de l'artiste bisontin. Un hymne à la vie et un dialogue avec les collections du musée.

EXPOSITION AU MUSÉE DES BEAUX-ARTS "Les quatre piliers du ciel" de Jean-Pierre Sergent, par Thomas Comte pour La presse Bisontine, décembre 2019.

En empruntant les deux grands escaliers du Musée des beaux-arts et d’archéologie de Besançon, le visiteur est accueilli au premier palier par les œuvres contemporaines de l'artiste franco-new-yorkais Jean-Pierre Sergent installé à Besançon. 72 de ses peintures sur Plexiglas au format carré ont été installées de manière à créer une fresque monumentale de 80 mètres carrés qui recouvre parfaitement les angles de chaque cage d’escalier. Pour commencer, c’est la couleur de l’ensemble qui fixe l'œil du visiteur. L’impression se confirme une fois arrivé au balcon. De là, il faut le temps de détailler “Les quatre pilier du ciel" pour apprécier la lecture inhabituelle du monde que soumet l'artiste au public. 

Par sa façon de mettre en scène le corps humain dans ses tableaux, de puiser des symboles dans des civilisations anciennes comme, celle des Mayas, Jean-Pierre Sergent devient le messager d’une spiritualité dont nous avons perdu le sens profond. "Nous ayons perdu notre énergie vitale, notre lien au monde, ce qu’on appelle "la spiritualité". Or, ces peuples avaient ce lien direct avec les éléments. Mes peintures témoignent de la vie elle-même, sans détours, sans fards et sans fardeaux" explique Jean-Pierre Sergent, heureux d’exposer au Musée des beaux-arts à la demande de Nicolas Surlapierre, son directeur. Pour ce dernier, les œuvres de Jean-Pierre Sergent ont toute leur place. "Le musée n’a pas vocation à faire de l’art contemporain. Cependant, j’aime inviter des artistes dont le travail dialogue avec nos collections. Cela permet de les regarder autrement" explique-t-il. Ses œuvres font écho à la collection égyptienne et aux peaux peintes amérindiennes que conserve l'établissement. 

En regardant "Les quatre piliers du ciel" dans les détails, on découvre des scènes érotiques, des rites initiatiques, des symboles. Les tableaux expriment le chamanisme, l'extase, la transe. "Beaucoup de gens n’ont plus de plaisir, plus de désir. On ne peut pas dissocier la mort, la sexualité… toutes les sociétés anciennes comme les Hindous l'avait compris. Or, notre pensée ne fonctionne désormais que par dissociation" constate Jean-Pierre Sergent. En cela, ses sérigraphies nous invitent à réfléchir sur ce que nous sommes.

Jean-Pierre Sergent signe les quatre piliers du ciel

Article de Catherine Chaillet pour l'Est Républicain, Besançon le 4 novembre 2019

En quatre piliers autour du double escalier central du musée des Beaux-Arts domine l’œuvre de l’artiste plasticien Jean.pierre Sergent. 72 panneaux en couleurs symboles. Une reconnaissance de la ville pour celui qui a exposé dans le monde entier. Ode aux forces des civilisations premières.

72 panneaux de 1.05 x 1.05 m à la dimension de son corps « le nombre d’or de mon corps est 1,05. Je Fait trouvé de corps est 1,05. Je l’ai trouvé de manière organique. » Jean-Pierre Sergent utilise ce format depuis 30 ans. 72 panneaux juxtaposés au-dessus des deux escaliers majestueux du musée des Beaux-Arts et d’Archéologie (MBAA) de Besançon. ils auraient dû l'être pour l'inauguration… Ils le sont donc pour le premier anniversaire de cette spectaculaire rénovation et jusqu’en octobre 2020. 72 sérigraphies et peinture sur Plexiglas, son support de prédilection depuis qu’il a abandonné l'lsorel dont l’acidité dévore l'œuvre au fil du temps.  72 tableaux choisis parmi la série des Suites Entropiques réalisées entre 2010 et 2015, installés sur huit panneaux se faisant face, à 5 mètres de hauteur, aux quatre angles des deux escaliers principaux du musée. Une bien jolie façon de pénétrer le musée. 

Jean-Pierre Sergent signe les quatre piliers du ciel, article de Catherine Chaillet pour l'Est Républicain, Besançon le 4 novembre 2019

Jean-Pierre Sergent a attendu 15 ans avant d'être exposé dans un musée de sa région. Photo ER/Frank Lallemand


Un souffle de couleurs d'abord dont l'abstraction apparente brise l’austérité élégante du lieu. « Mes peintures, témoignent de la vie elle-même, sans détours, sans fards et sans fardeaux », écrit l’artiste. le regard s’attarde et le témoignage se précise. Jean-Pierre Sergent  quête les rituels des civilisations premières. À travers des voyages d’abord, Mexique, Guatemala, Japon, Inde… « Tant qu'on en parle, elles ne disparaissent pas ! » Vivre une douzaine d’années à New York a façonné son rapport à l'art, à sa nécessité, alors que dans la vielle Europe « forte de son patrimoine, l’énergie a disparu sous le poids des deux guerres mondiales. Je veux voir autre chose, ce qui apporte de la joie, savoir qu’elle est possible ».

Etats de conscience 

Très tôt inspiré par les travaux des chamanes et leurs transes, « qui permettent de passer d’un état de conscience à un autre, d’approcher le don d'ubiquité », il n'a retenu là que les interprétations les plus softs de ces expériences orgasmiques. La solennité du lieu l’a contraint peut-être. Mais les rituels qu’il retient en symboles ont toujours le même objet, ils rythment la vie jusqu’à la mort et à travers ce cheminement offrent d’accéder à l’énergie vitale, dans toutes ses dispositions tant sexuelles que spirituelles. Cet art multifacettes, Jean-Pierre Sergent le déploie dans ses rêves, ses pensées et ses réalités comme un art nomade et saltimbanque, dit-il. Le nomadisme trouve ici lieu à s’installer durablement. 

Vernissage de l’exposition le samedi 16 novembre à 19 h lors du 1er anniversaire de la réouverture du MBAA. 

La poetica incontaminata dell'arte primitiva nelle opere di Jean-Pierre Sergent | Quid Magazine | Fr-Italian | par Camilla Delpero | 06 novembre 2019 | Quid Magazine | Lugano | Suisse
La poetica incontaminata dell'arte primitiva nelle opere di Jean-Pierre Sergent | Quid Magazine | Fr-Italian | par Camilla Delpero

06 novembre 2019 | Lugano | Suisse


Le magazine s'appelle Quid Magazine, car il examine le processus artistique. Pour toi, quelle est l'étincelle qui rend une œuvre unique?

Je pense, que ce qui rend une œuvre unique, c'est quand elle est habitée par une présence, une âme, qui interpelle le spectateur et l'amène dans un ailleurs, auquel, de par son histoire et sa culture, il n'a pas ou plus accès. C'est une peu une œuvre qui intercéderait entre la réalité et d'autres mondes plus enfouis, oubliés ou trahis par la pensée unique d'une époque donnée. On peut penser aux Demoiselles d'Avignon de Picasso qui réintègre le monde du désir et de la magie "primaire" ou première africaine, dans une société s'industrialisant, se rationalisant et perdant de plus en plus son émerveillement pour le monde.

Quelle est ta poétique générale?

Je recherche toujours dans mon travail à acquérir une poésie, ou des poésies, provenant directement des cultures premières, libres et non spoliées des pensées structurelles, matérialistes et monothéistes. J'aime par exemple l'énergie formidable se dégageant des artefacts Mayas, Moche, Amérindiens, mais également les peintures des grottes préhistoriques européennes ou australiennes. Car ces "poésies", ces réalités autres ou ces énergies, m'entraînent dans des dimensions ou la sexualité, la mort, la joie et le désir de vivre et de communiquer avec la nature, sont beaucoup plus présents que dans l'art occidental en apportant aussi une dimension cosmique et spirituelle essentielle !

Projets futurs?

Je reviens du Wopart de Lugano, où nous nous sommes rencontrés ; je participe cette semaine à une Biennale à Besançon, ville où je vis aujourd'hui (après avoir vécu et travaillé plus de 10 ans à New York) et j'y ai également une grande exposition au musée des Beaux-Arts comprenant 8 grandes installations murales de 3.15 x 3.15 m, d'une dimension totale de 80 m2.


Jean Pierre Sergent Expo MBAA BESANCON 2019BM9A1597

Jean-Pierre Sergent installant Les quatre piliers du ciel, Musée des beaux-arts de Besançon, photo de Christine Chatelet, septembre 2019

Expliques-nous comment naît une œuvre d'art, peut-être un chef-d'œuvre, cette peinture qui se dresse au milieu des autres.

Il n'est pas dans ma nature de chercher à réaliser un chef-d'œuvre, c'est un peu à l'opposé de ma démarche artistique. Car je travail de manière sérielle et presque rituelle : je récupère, choisi, retravaille et sérigraphie des images populaires ou sacrées (pour certaine personnes et dans certaines cultures), que j'ajoute, à la manière d'une recette de cuisine ou d'un paysage géographique, en peignant des strates se superposant jusqu'à satisfaction. J'arrête cette accumulation quand il se passe quelque chose dans l'œuvre. Cela peut-être une énergie, un rapport de couleur, une lumière, une densité, une sensation, un touché. Mais je ne cours pas après cette idée d'œuvre solitaire rayonnante au milieu de tant d'autres. Mes œuvres s'inscrivent dans un ensemble et dans la continuité du temps profond de mon travail. En particulier, mes grandes installations murales de peintures sur Plexiglas qui sont composées d'une vingtaine de peintures accrochées et collées ensemble pour former une œuvre multiple et Kaléidoscopique de grande dimension.

Qu'est-ce que l'art contemporain pour toi?

L'art contemporain crée assez paradoxalement aujourd'hui, une triste contrainte et une grande liberté. Une liberté, car chaque artiste semble libre de créer ses œuvres à sa manière, avec son style, avec les matériaux qui lui conviennent et de pouvoir parler des sujets qui l'intéressent, tout du moins en Occident, ou dans certains Pays "libres" et étant en paix. Par contre, le marché inféré, consubstantiel et fusionnel à l'art contemporain impose de fait : des centaines de contraintes, des misères innombrables et des solitudes profondes aux artistes ne pouvant faire partie de ce marché, des happy few élus ! Car l'art contemporain montré dans les foires et les musées, dépend de plus en plus de ce marché de l'Art. Qui est contrôlé et régit par une centaine de galeristes et de collectionneurs internationaux, vendant de l'art comme un véritable produit de consommation de luxe. Bien malheureusement de nombreux artistes sont démunis et totalement incapables d'entrer dans ce dit marché. On pourrait donc, aujourd'hui nommé sans peine l'Art de produit post-culturel, hégémonique… N'ayant plus que pour seul but de démultiplier les valeurs des prix de vente exorbitants des œuvres ! Par ce fait, les artistes ne pouvant pas entrer dans le marché, n'ont plus aucune existence légale, humaine et artistique possible. C'est donc le prix fort à payer à cette pensée capitaliste mondialisée, à cette société du spectacle ininterrompu, où l'argent est devenue notre seule référence, notre seule valeur, notre seul credo et même… notre seule beauté !

Quel est ton Maître?

Je n'ai pas vraiment de Maître au sens universitaire et scolaire du terme. J'ai eu la chance, au cours de mes voyages et de mes nombreuses visites dans les musées, d'être particulièrement touché par certaines œuvres importantes et je suis particulièrement intrigué par toutes les œuvres (ou plutôt les objets rituels) réalisés par les artistes chamans, les intercesseurs des dieux et des esprits. Je me permets de copier ici une partie de la liste des œuvres souhaitées dans mon Musée imaginaire, extraites de mes entretiens filmés avec mon ami Thierry Savatier, historien d'art : "Oui, sans doute un Shunga japonais érotique et au hasard comme cela : une fresque murale égyptienne, un vase maya, je trouve qu'ils sont magnifiques, les couleurs sont magnifiques ! Une statue Aztèque, ah oui, ça a une grande énergie ! Un Vermeer, un Giotto, un Rembrandt : l'homme à l'escalier (Philosophe en méditation) qui est au Louvre, j'aime beaucoup ce tableau ; la Vue de Tolède d'El Greco, sans doute un papier découpé de Matisse. Et puis je ne sais pas, les masques chamaniques de la Côte Ouest des États-Unis, oui ! Tous les masques chamaniques… Ah oui, je suis subjugué par la beauté et par la grandeur de ses œuvres… D'ailleurs André Breton les collectionnait ! Ce sont des masques d'une beauté et d'une intelligence incroyable, oui ! Et puis quelques dessins d'Artaud, les bleus d'Yves Klein, enfin bon c'est énorme ce que j'aime (j'ai oublié Frida Kahlo)… Et puis bien sûr les dessins des grottes préhistoriques !" Voilà, il n'y a pas vraiment de Maîtres… grands ou petits, mais plutôt, un ensemble hétéroclite d'œuvres, réalisées par des être humains comme moi, que j'ai eu la chance et le grand bonheur de pouvoir rencontrer lors de mes nombreux périples initiateurs et toutes mes recherches artistiques et spirituelles initiatiques.

Jean-Pierre Sergent, L’art de l’imprimerie: la sérigraphie !  Publié le 25 octobre 2019 par Pion Denise pour le Blog PRONTOPRO
L’art de l’imprimerie: la sérigraphie !

Publié le 25 octobre 2019 par Pion Denise pour le Blog PRONTOPRO

Le principe de la sérigraphie consiste à appliquer des stencils sur une toile, en soie ou en un matériau synthétique ou métallique, de telle sorte que l’encre ne puisse pas traverser certaines parties en pénétrant dans le support du reste de l’écran, imprimant ainsi une image sur du papier placé en dessous.

Jean-Pierre Sergent est un artiste peintre originaire de Morteau, France. Dirigeant aujourd’hui un atelier à Besançon, il travaille principalement avec la technique de la sérigraphie. Des assistants l’aident au jour le jour pour emballer les œuvres, les accrocher dans les galeries ou les musées et pour prendre des photos et des vidéos lorsqu’il travaille dans l’atelier.

Ce professionnel excelle en tant qu’artiste peintre de formation et a longtemps travaillé avec des techniques anciennes de peinture. Etre artiste, pour lui, c’est à la fois un métier et une philosophie de vie. C’est une manière personnelle de voir le monde et de l’enrichir. C’est le meilleur moyen de témoigner et de montrer au public la beauté des mondes et des cultures disparaissant devant nos yeux. D’après lui, il est de son devoir de parler des choses qui lui semblent belles, utiles, et permettant la régénération de la pensée et des énergies vitales du monde qui nous entourent.

Jean Pierre, quelle est votre histoire préférée ?

« Des milliers de fois auparavant

J’ai vécu dans la matrice d’une mère

J’ai pris plaisir à une grande variété de nourritures

Et je fus allaité à tant de seins maternels

Je naissais et mourais de nouveau

Et continuellement, je renaissais une nouvelle fois. » Garbha #4, 108 Upanishads traduit par Martine Buttex

J’aime beaucoup lire et relire les Upanishads, livre de sagesse hindoue et universel, composé environ huit cents ans avant J.-C.. C’est un des plus anciens livres de l’humanité, avec l’épopée de Gilgamesh et le livre des morts égyptiens. Ce passage nous indique, que, contrairement à la pensée matérialiste, athée et rationaliste occidentale, d’autres modes de pensée, d’autres cultures, ce sont émerveillés et s’émerveillent encore de la vie et de ses ramifications spirituelles et cosmiques, inscrites dans des cycles non linéaires et revenant de manière récurrente en se répétant à l’infini. Donnant ainsi à la vie, un espoir et une dimension spirituelle plus dense, plus intenses et plus vibrants que nos méprisables et misérables petites espérances matérialistes bourgeoises tragiques et angoissées !

Avec quel type de personne aimez-vous le plus travailler ? Pour quelles raisons ?

J’aime travailler avec des gens calmes, sereins, patients, attentifs et ayant une grande sensibilité envers la beauté et l’art, ainsi qu’un grand respect du matériau. Car la manipulation d‘œuvres d’art requiert beaucoup de précautions, d’abnégation, d’oublis de son égo et beaucoup d’attention pour se mettre à son service, ce n’est pas toujours évident.

J’avais une amie japonaise, Mayumi, avec laquelle j’ai réalisé un grand mur de 3.15 par 6.30 mètres en trois semaines et lorsque l’on découpait les grands rouleaux de papier, elle me disait : « Le papier ne nous écoute pas aujourd’hui ! » Car les vieux rouleaux venus de New York étaient très secs, serrés en arc de cercle et très, très difficiles à remettre à plat ! J’aime beaucoup cette manière de penser les choses comme étant vivantes et animées. Le monde autour de nous est animé et tout est vivant.

« Pourquoi avoir fait le choix de travailler seul ? » 

Je pense principalement que l’artiste doit lui-même réaliser ses œuvres afin de leur donner un style, une vie, une âme. Il est inconcevable, pour moi, de faire réaliser des œuvres industriellement, sauf bien sûr pour la réalisation de très grands formats de dimension monumentale par exemple : 3 x 1.50 m, que je ne peux pas imprimer à l’atelier avec ma table imprimante. Car, afin que l’art et la peinture soient vivants et possèdent cette âme, toutes les étapes du travail sont importantes et en particulier ce moment spécial où je choisis et mélange les couleurs. À ce moment précis, cet instant T, je prends une décision définitive et irrévocable. Car je travaille en sérigraphiant mes images directement au revers des plaques de Plexiglas et cette couche apparaitra définitivement au travers du panneau et ne peut plus être modifiée ni effacée.

Un grand merci à Jean-Pierre Sergent qui nous a donné quelques informations sur son activité en tant qu’artiste peintre dans le domaine de la sérigraphie. Si vous avez aimé cet article et que vous souhaitez en savoir plus, n’hésitez pas à faire un tour sur son site

Jean-Pierre Sergent, Entretien avec Tulika Bahadur pour le Magazine On Art And Aesthetic

Entretien avec Tulika Bahadur pour le magazine On Art And Aesthetic

27 février 2018 | Londres | Royaume-Uni & Australie | texte en anglais seulement | Télécharger l'article

Born in Morteau, France in 1958, French-American artist Jean–Pierre Sergent is known for work that explores the subconscious, fuses the stylistic elements of different civilisations to reveal timeless and universal truths about the human condition, and often recycles seemingly trashy popular imagery into something more epic.

I had a long discussion with him this month—on France, the role of rites and rituals, capitalism and much more. He writes from his studio in Besançon, eastern France.

When I encountered your art, the adjectives that came to my mind were “overarching”, “all-consuming”, also “elemental” and “fundamental”. I identified both a width and a depth in your expression. Width because you incorporate motifs from different cultures—Japanese, Indian, Mayan, Greek—and depth because you are constantly trying to inquire into and reveal the things that matter the most; stuff that stays, endures, gives meaning to existence—desire, beauty, birth, connection, merriment. The texture of your work, I would say, is passionately anthropological. When and how did you develop this fascination with core universal human issues? Does being French have anything to do with it?

Well, it’s always yes and no! Being raised in France was a matter of chance. It is really a rich country, where a lot of different cultures have flourished and merged. We can see it even today with waves of migrants coming from Africa and the Middle East, being stuck and blocked on their way. This has been happening since prehistoric times when the Neanderthal and Cro-Magnon men met and probably interconnected.

The mix of different cultures, a bit like the New York of today, but over a longer period of time, has given me access to a never-ending history of art and thought—the painted caves of Chauvet (35,000 BP), the traditions of the Gallic tribes, the Gothic cathedrals, Picasso, Matisse, Rodin, Voltaire, Sade, Rimbaud, Baudelaire, Claude Lévi-Strauss, Jean Malaurie, etc. At one point, all this French and European culture could be really overwhelming. But to some extent, yes, it opened my mind and gave me a large overview, a global picture.

But I would also say that I have a strong sensitivity and compassion towards other human beings, their living conditions—such as birth, suffering, desire, pleasure, death—and their rituals and gestures—religions, philosophies, architecture, literature, spiritual practices. This interest is something quite common, I share it with most artists.


You’ve lived across France, Canada (Montréal) and the US (New York). How have these three locations influenced your vision?

One thing I would like to say about my country, is that, unfortunately, the contemporary art scene here, is totally poor and boring. It’s only intellectual, conceptual, rationalistic, science-driven and spiritless. For me, there is in this art production, a total lack of interest towards human desires. It looks like a flat brain wave, a grey world! This unbearable situation started more or less just after World War II. Art only became “l’art pour l’art”, just an reflection on art history and art processes. Nothing really to enjoy about being alive, it’s at the exact opposite of the so-called “art de vivre français”. I think, this is because French artists born between the two wars, were speechless after all the killings and hecatombs committed during that time.

The “funny thing” is that on the opposite side, our neighbours the German and English artists, from the same time period, have done much better. Think of Joseph Beuys, Anselm Kiefer, Gerhard Richter, Georg Baselitz, or even David Hockney, Francis Bacon! I don’t think that anybody in the world today, could name any living French artist. Am I wrong? They will name Picasso (Spanish born, to whom the French government even denied citizenship) or Matisse, Monet or Gauguin, who died long ago! As some of my American artist friends have said to me: the Frenchies have had their time in art! The only thing that I really enjoy about living in France today is nature.

In Montréal, I found a “new society”, one that was more international, tolerant and respectful of other people’s identities and beliefs. I also loved the immensity of space, sky and place. I started experimenting with different approaches. As for New York, it gave me some of the biggest emotional, artistic, energetic, aesthetic, sexual and human electro-shocks of my life! The Meso-American references in my work are a result of this period. I also got a chance to discover in the museums and through reading, what we call “Primitif Art” or “Art premier” or “Art racine”, from the North American Indian tribes and from all around the world. I discovered Aztec and Mayan artefacts and architecture during some personal trips with my wife Olga (Colombian born) to Mexico and Guatemala. The strong spiritual-magical-cosmical energies that I encountered have converged in my artwork in my large wall installations on Plexiglas titled “Mayan Diary” (1999-2015).


You frequently use repetitive patterns and forms—concentric circles, parallel lines, rows of tiles, sets of triangles. I immediately linked this to rituals—as they are all about doing something again and again and again. So, does the visual component of duplication and recurrence symbolise the nature of rites and ceremonies? 

Yes, you are absolutely right! I use patterns as a way of showing a trance-like state and experience. Painting to me is a ritualistic practice. I work with highly symbolic images from pre-industrial cultures that used those designs in order to connect with their gods or spirits; or just for meditation like Indian yantra (with the Bindu point, sort of Big Bang starting point) or Tibetan Mandala to connect with the inner-self and the cosmos. Also to honour some kind of genetical-ancestral connection or create social differentiation (tattoos). Ultimately, to get some primary connection to the essence of life itself. As life keeps repeating through nature, vegetation, animals and mankind. I like my work process to be serial and repetitive with variations of small colours, similar to the Australian Aboriginal Didgeridoo sounds or the Melanesian Polyphonic voice songs.

What strikes me most nowadays is the disappearance of rituals in our developed capitalist countries. With the exception of sports, the only ritual that seems to have survived is marriage. But there aren’t many prayers or dances to help the soul of the dead reaching to the other world (guiding the soul during its long trip, as it has been done since the appearance of mankind), or even to welcome or “baptise” a new born baby. This disappearance is not bad in itself, but it’s not able to reinforce the socials links between people, and as a result, people today are more and more isolated and lonely and are missing all the joy of living and sharing life events together.


In your Culture Trip interview, you say something very important while explaining your work:

First, we have to put things in perspective: the art world and, to an extent, the world as a whole, is no longer a post-industrial, postmodern, or post-religious one, but I think it has become today a post-cultural world. In a few words, all that used to be known by mankind was given and transmitted to us by the cultures we all belonged to and transmitted by the ancestral teachings & traditions. Now all we need to know in order to survive will be used by contemporary computers in the purpose of making money and buying consumer goods, being ‘happy’ without any concern for our surrounding social environment. So the cultural links so important at one time are no more necessary and become just affective ones, that you can choose to use them or not. And of course as people are lazy, they prefer to use the channels of technology instead of the cultural ones, which take much more time to understand and to practise, but which can ground us deeper, with the help of poetry, painting, literature, music, dance, theatre, and spiritual practices, to all human beings, the earth, and the universe.

I have always believed in the value of ancestral teachings and traditions—as long as they are open to scrutiny, criticism and reform. This “post-cultural” situation that you describe indeed troubles me a lot. Cultural links, community ties are now dispensable. What’s more, the human being has been reduced to an audio-visual animal whose primary purpose is to consume goods and services, and whose personal and public data is sold for the strategic promotion of even more goods and services. It’s a vicious cycle. 

What, according to you, should/could an artist do in this era of rampant technological invasion?

Being an artist is a lifelong process, it doesn’t come easily, it’s harsh, takes a lot of courage and commitment. In that way, most artists are on the edge of mainstream consumerist beliefs and hurries. It may take more than twenty years of practice, after any art school, to really understand what art as a whole is about.

I think that the mission of an artist, or everybody for that matter, could be related to these words of Henry Miller: “The human mission on Earth is to remember, to remember, to remember.” So an artist could show, name and be the witness of things that are disappearing so fast in front of us. Today, so many cultures, so many spoken languages, so much music, so many love songs, so many animal species, so many forests and rivers have disappeared or been polluted. This has been happening especially since the beginning of the last century, or even from the time of Christopher Columbus. We can name it cultural genocide or earth matricide. Another issue that needs to be brought into attention in art are the freedoms that are denied to women—sexual, aesthetic, intellectual. The mutilations that their bodies suffer in so-called “traditional” societies, the strict dress codes that they must adhere to, the lack of access to good education, etc.


Based on Japanese manga sexual cartoons, Hindu Yantra meditation drawings and genetic patterns from archaic cultures, Entropic Suites (2011-present) is an incredibly rich series. You also mention the Upanishads as inspiration. Tell us more about the impact they have had on you…

It took me over two years to finish reading the 108 Upanishads. It has raised my level of consciousness. Like in Garbha #4:

Thousands of times before / I have lived in a mother’s womb / I took pleasure eating numerous kind of foods / And I have been suckling on so many mother’s breasts / I have been born and been dead again / And endlessly, I came to be born again.

This feeling of being alive so many times and coming back to life so many times and dying so many times and having sexual intercourse so many times, isn’t it something we all have? It reminds me of a quotation by Picasso from André Malraux’s “Le miroir des Limbes”, wherein he relates a meeting with him while talking about the Indian concept of reincarnation. Picasso said: “Do you know what I am thinking sometimes? It’s funny: I am a really superstitious guy. I do have the feeling that it is always the same Little Fellow. Since prehistoric time, he has been coming back, like the wandering Jew. Your fellow Indians, do they believe that painters are reincarnated into painters?” At another part of this interview he said: “That is what needs to be done. We need to paint a painting agelessly. We need to kill contemporary art. In order to create a new one.”

That brings me directly to this other chapter of the Upanishad, which I specially enjoy and respect:

That which is Immensity is felicity, there is no felicity in Exiguity; Immensity alone is felicity; Immensity therefore is worthy of enquiry. That Immensity, O Lord, (said Nārada) is sought by me. (In Chandogya XXXIII)

This is exactly what I am trying to do with my art, getting away from the finite to enter the global and endless world of the infinite, the One. In order to do it, in my Entropic Suites series, I assemble numerous paintings on the wall, with different colour variations, different subject matters and energies. It then allows me to get rid of the simple day to day life experience and enter into a sacred unlimited and infinite space.


At this stage of your career, you are mostly influenced by art from the time when artists were anonymous, as in prehistoric cave paintings, mural paintings from the temples and tombs in ancient Egypt, Mexico or India. What I find interesting here is that art seems like a collective, social enterprise and not “one” pursuit among many that just a “select few members” must engage in. What do you think our contemporary world could learn from the ancient model of creativity? 

Yes, one of my major aesthetic shocks happened when I entered, with my granddad Maurice and my sister Marie-Paule, into the tomb of Nefertari, the wife of Ramses II at the Valley of the Queens in Egypt. Of course, it was a collective realisation that was completed by numerous architects, sculptors and painters.

A few reflections on historical and prehistoric artists: some of them were well known for their talents like the Greeks sculptors Praxiteles and Pygmalion. Also Mayan vase painters named themselves its’t (artist-sage). Nevertheless, we can say that the more traditional the society, the less individualistic was the artist. During the Renaissance, the artist and his ego began to be personified, and he started to sign his paintings.

Now art has gone from an artisanal state to an industrial one. It has lost his soul and became just another common trading product. This is certainly due to the secularisation of our contemporaries societies. You can share the experience of the sacred within a social group, but luckily, you cannot share the experience of being a millionaire artist with poor people. Who really cares about a Jeff Koons puppy sold for millions? Absolutely nobody except for a few art aficionados. Not to mention that we are living in a time when most people can’t afford to pay for their rent or food?

But I still think as creators, we can boycott and bypass the system with social networks like Facebook and LinkedIn. We can try, at our own level, to reconnect with the collective mind and subconscious, in order to recreate art that could touch the viewer deep inside, at the core of his soul!


Your work, you write, delves into the subconscious. Are you an avid reader of psychology?

Not really, I am not so interested in reading books about psychology or psychoanalysis! Of course, I have read a few books of Freud (specially Civilisation and Its Discontents and Totem and Taboo) but, as an artist I prefer to read C.G. Jung who had a better understanding of the function of the image and analysed Asian traditions and philosophy pretty deeply. In order to understand unchanging human nature, I like to read a lot of travellers, authors like: Ovid (Metamorphoses), Homer (The Iliad), Ibn Battuta, Marco Polo, James Cook and all the chroniclers of the Spanish conquests like friars Bernardino de Sahagún, Diego Duran and Bartolomé de las Casas.


One of your objectives is to give the viewer an immersive trance-like moment in a world of pleasures and colours, from which conflicts and harshness are not totally absent, but which overall remains without pain and suffering. This wish is a result of your having felt the unpleasantness of asthma as a child. What are your thoughts on the relationship between pain/suffering and creativity/imagination?

Well, to tell you the truth, having suffered from serious asthma attacks at a really young age and having often had the feeling that I was on the edge of dying, forced my brain to find an escape, a way out! I do believe that the brain, with dreams and the capacity of inventing different scenarios, does have a really powerful way of getting us out of terrible situations. It is well known that Marquis de Sade wrote most of his erotic books in the Bastille prison!


The female form—at times sensuous, at times rather crude—is pervasive in your portfolio, while the male figure remains absent or out of focus. What does the feminine energy/mystique mean to you?

It means everything. We are all born from a woman’s body so I think we are all seeking to return to this prenatal state, the place of which is the womb. Another important thing to say is that the sounds of a female are so powerful that they drive us crazy. Even Ulysses had to be tied up and chained while hearing the languorous songs of the Sirens! My revealing images of women have something to do with a mystical and cosmological connection and experience.


There is a touch of the pop art aesthetic to many of your projects. Are there any pop artists/movements out there that you specifically appreciate?

I got silk-screening from Andy Warhol and Robert Rauschenberg. I am now silkscreening on a printing table on which some of Warhol’s works have been printed. I bought it from my former boss who was a professional silkscreen printer in Long Island City. I also knew the gallery owner Leo Castelli, who discovered and promoted all pop artists.

That said, before coming to New York, I was closer to the paintings of Rothko and Newman and Pollock. But I had seen at the MOMA, the early Targets of Jasper Johns, which made a great impression on me. Firstly, I had the feeling that they were only ordinary objects (like Marcel Duchamp’s Fountain of 1917), but they gave off an aura, a presence (unlike the Fountain), like every classical painting or primitive art. So it was a good surprise for me!

I was also impressed by the Rauschenberg silk-screening technique as he printed almost anything on any material you can think of, and turned it into an art piece. I liked his Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI, 1994-1991) project, as he travelled around the world, like a journalist photographing people, in order to make a political statement to defend cultures other than American. I was not so crazy about Lichtenstein’s work, but once I saw his Girl with Ball at the MOMA, it also gave me this feeling of a mysterious presence. Leo Castelli had said in a 70s interview that Lichtenstein came into his gallery to present him his portfolio, with some drawings of comics, and he knew that it was art and not comics. I often think about Castelli as no gallerist nowadays will take the time to see some young artist’s work. That time is definitely gone forever!

So it’s true that I owe a lot to the pop art movement, especially their technique and the use of common images, even though I found their works to be a bit superficial at times!


You recently exhibited in Shenzhen, Shanghai and Taiwan. How was the Asian/Eastern experience different from the European/Western one? What is your opinion on the changing landscape of the art market?

I started to exhibit my work in China in 2016, thanks to my friend Xiwen Yang who opened his 50 Plus Contemporary Art Studio in Taiwan. He curated several solo and group exhibitions of my small works on paper, we sold a fews pieces. For now, it’s too early to have a true assessment of the Chinese public’s response, as we haven’t presented any large paintings on Plexiglas installations yet. I really hope that Chinese people will be more open-minded than Europeans who seem really apathetic.


What are you creating right now? And what’s next?

I am finishing the editing of the photos and videos we took during the summertime with my assistant Christine Chatelet, who filmed the working process in the studio. I have also to edit seven new interviews “Palabres dans l’atelier” with my philosopher friend Marie-Madeleine Varet. This spring, when the studio will get warmer, I will continue the printing of my series “Shakti-Yoni: Ecstatic Cosmic Dances”. I have several shows in the works for this year, some group exhibitions with the Keller Gallery, directed by Heidi Suter, in Zurich and the WOPART (works on paper fair) in Lugano, Switzerland. Also a large wall installation in a new Contemporary Art Center in Shenyang, then a solo show in Taipei, Asia. I hope to have a chance to exhibit my work in some new countries, particularly Japan, India or England.


Any concluding thoughts?

I would like to close this interview by evoking joy. A year ago I read Jean Giono’s beautiful book Joy of Man’s Desiring. It is powerful and teaches us, how, even at the worst times, a man who stands up with a strong will, positive thinking and companions could regenerate the dying and worn-out social structures like families, villages, even nature! Consider this extract from another book of Giono’s, Le Chant Du Monde:

Antonio thought about that path open in the Sky through which something was coming and touched the Earth. He heard deep inside of himself some desires, some wind, and some noises from the River.

Find Jean-Pierre on his website (, Facebook ( and LinkedIn profiles (

Article Jean-Pierre Sergent, Jean-Pierre Sergent: creando la vida/ creating life

El taller de Jean Pierre Sergent: bringing to ligth…

Article par Melina Piterbarg pour Aurayarte, le 1 janvier 2018 | texte en anglais & espagnol seulement |  Télécharger l'article

Las imágenes del taller de Jean Pierre Sergent muestran el proceso creativo de impresión del acrílico mediante la técnica del stencil y el shablon.
The images from Jean Pierre Sergent’s workshop show the creative process of acrylic printing through the technique of stencil and shablon. 

Cada momento de la creación en sus obras es singular,dando lugar a nuevos fragmentos. Múltiples textos que están contenidos en una obra que es un palimpsesto. 

Each moment of creation in his work is unique,bringing to ligth new fragments.Multiple texts  contained in a work that is like a palimpsest.

Como un texto re escrito a lo largo del tiempoLas obras de Jean Pierre Sergent reúnen estilos, técnicas,jugando con la historia del arte y  sus períodos.Las obras dentro de la obra se trasponen creando una polifonía de mágicas figuras.

As a text rewritten over time,the works of Jean Pierre Sergent bring together styles, techniques,playing with the history of art and its periods.The works within the artwork are transposed creating a polyphony of magical figures.

Article Jean-Pierre Sergent, Jean-Pierre Sergent: creando la vida/ creating life

Jean-Pierre Sergent: creando la vida / creating life

Article par Melina Piterbarg pour Aurayarte, le 17 septembre 2017 | | texte en anglais & espagnol seulement | Télécharger l'article

En el taller de Jean-Pierre Sergent, el trabajo es en  sí mismo una forma de arte.El es  el protagonista de una imagen-cuadro viviente,una obra que es un relato acerca de  otras obras. Miles de símbolos toman forma, y son reproducidos, formando tramas, ventanas, superponiéndose.El esfuerzo físico va concretando imágenes  que brillan, proyectando luz translúcida y opaca.Jean-Pierre nos muestra  su visión del  Arte como un elemento que se reimprime y toma por sorpresa al artista, cambiando su vida, haciéndolo producir, generando un cambio en su entorno y en su propia personalidad.La creación como forma de vida, o la vida como una creación al que damos forma todos los días, re-produciéndonos hasta lograr la mejor versión de nosotros mismos.

At Jean-Pierre Sergent’s workshop, work it's an art form for itself.

He is  protagonist of a living picture- or living artwork. A work that is a story about other works. Thousands of symbols take shape,  being reproduced, creating weaves, windows and different layers. Physical effort concretes images that shine, projecting translucent and opaque light. Jean-Pierre shows us his vision of Art as a reprinting that takes the artist by surprise, changing his life, making him produce, generating a change in the environment and in his own personality. Creation as a way of life, or life as a creation that we  give shape every day, re-producing until we discover the best version of ourselves.

El taller de Jean- Pierre Sergent / Jean Pierre Sergent Workshop

Article par Melina Piterbarg pour Aurayarte, le 28 août 2017 | texte en anglais & espagnol seulement | Télécharger l'article

Obras que se revelan a cada paso de un proceso mágico de impresión y estampado en acrílico.Capas de color que dan vida a diferentes mandalas. Ventanas que difuminan la luz y nos permiten ver  el interior del taller de Jean- Pierre Sergent.